Une présentation de collection en mouvement

Dans la première salle du nouveau volume du musée, tout tourne autour du jeu de la lumière. Dès votre entrée, vous découvrez sur votre gauche une rencontre intrigante entre trois artistes.

Vous voyez d'abord Centrale électrique (1970) de la Franco-Portugaise Maria Elena Vieira da Silva. Bien qu'elle ait suivi un chemin très individuel en tant qu'artiste féminine déterminée, son style dynamique s'inscrit étonnamment dans la lignée du mouvement ZERO. Le passage à l'œuvre de Hermann Goepfert, issue de la collection du musée, se fait donc naturellement: lui aussi explore de manière très directe la relation entre l'espace, la lumière et le mouvement. Michelangelo Pistoletto pousse ce jeu encore plus loin dans son tableau miroir Persona seduta, réalisé à ses débuts. Les plaques d'acier polies déforment le temps et l'espace grâce à leur effet miroir et impliquent ainsi activement le visiteur dans l'œuvre.

Un peu plus loin, le 16 septembre de Magritte (actuellement exposé dans l'exposition Magritte. La ligne de vie) a temporairement cédé la place à Femme à la fenêtre de Rik Wouters. Ce choix n'est pas fortuit: tout comme Henri De Braekeleer à côté, Wouters joue avec la lumière qui pénètre dans la pièce par la fenêtre. Les ombres ainsi créées constituent également une belle introduction à Freia's Garden d'Anselm Kiefer, une œuvre imposante issue de notre propre collection qui a trouvé une nouvelle place au fond de la salle. Alors que la lumière illumine les autres œuvres, Kiefer en montre la puissance sombre et destructrice. Son travail s'accroche de manière intrigante aux formes capricieuses de la sculpture d'Arnaldo Pomodoro, qui explore également la tension entre la lumière et la décomposition.

Une petite touche ludique autour de ce thème est apportée par un prêt de Max Ernst, avec son cadre d'origine, à côté d'Adrienne de Gustave Van de Woestyne. Chez ces deux artistes, la lumière crée l'effet nacré, presque magique, d'un coquillage que l'on observe de près.

Ceux qui connaissent bien le musée remarqueront immédiatement qu'il y a un Lucio Fontana différent de celui habituellement exposé: il s'agit également d'un prêt provenant de la collection privée mentionnée précédemment. Dans Concetto Speciale (1964), Fontana joue avec la forme en utilisant des trous (buchi) au lieu de ses célèbres incisions (tagli), mais sa patte reste clairement reconnaissable. En regardant au-delà de l'abstraction, on constate que les trous créent une orientation qui s'apparente aux figures de l'œuvre de Karl Hofer exposée à côté.

Dans la salle forme, un autre nom international important a également trouvé une nouvelle place : Robert Delaunay. Son monumental La ville à l'arc-en-ciel, datant des années 1920, dégage une atmosphère folklorique et des couleurs douces, qui s'harmonisent bien avec des artistes tels que Rik Wouters.

Avec la présence d'un Auguste Oleffe frivole issu de notre propre collection, l'accent se déplace lentement mais sûrement vers la couleur. Le fait que Wouters était également un ami d'Oleffe ne fait aucun doute lorsque l'on voit les deux modernes accrochés côte à côte. Un petit Gerhard Richter intrigant fait également le lien entre la forme et la couleur. La palette rappelle Wouters, mais l'œuvre fait également référence à l'abstraction expressive de Schmalzigaug.

Plus loin, vous vous retrouvez dans un véritable dialogue bleu avec Anish Kapoor, Yves Klein et Willem Paerels. De l'autre côté, Kees van Dongen a temporairement cédé sa place à Circle Painting 7 (Green) de Robert Mangold, suivi de deux prêts extrêmement originaux : L'Écho de Magritte et Abstraktes Bild (334-A) de Richter. Cette dernière est probablement une peinture au pouce datant de ses années fastes dans les années 70, ce qui démontre une fois de plus la forte valeur muséale de l'ensemble du prêt. Dans ces œuvres, Richter et Magritte abordent la couleur de manière individuelle.

La présentation remaniée de la collection moderne se termine par quelques véritables chefs-d'œuvre du pop art américain. Bathroom Collage n.4 de Tom Wesselmann et Torso d'Andy Warhol montrent comment des images quotidiennes sont élevées au rang d'œuvres d'art, tout en donnant l'impression de regarder une affiche ou une image publicitaire des années 60 ou 70. Leur impact est encore renforcé par l'imposant New Madrid de Frank Stella, situé de l'autre côté. Dans son art minimaliste, Stella utilise des matériaux tels que la peinture murale et joue avec les surfaces et les lignes pour créer, dans ce cas, un effet optique de tunnel. Le fait que cette œuvre soit désormais exposée au KMSKA est exceptionnel : depuis son acquisition, il y a cinquante ans, elle n'avait plus été présentée au public.